Cercueils personnalisés du Ghana

Les cercueils personnalisés ou figurative du Ghana, en Europe aussi appelé cercueils de fantaisie, cercueils fantastique ou cercueils proverbiale (abebuu adekai), sont faites par certains menuisiers de talent dans la Région du Grand Accra au sud du Ghana. Ces objets colorés qui ne sont pas seulement des cercueils, mais aussi véritables œuvres d'art ont été montrés pour la première fois à un large public occidental à l'exposition Magiciens de la terre au Centre Pompidou, Musée National d'Art Moderne de Paris 1989. Les sept cercueils qui ont été exposés 1989 ont été réalisées par Kane Kwei (1922-1992) et par son ancien assistant Paa Joe (1947). Depuis lors, ces cercueils d’art du Ghana ont été montrés dans de nombreux musées et galeries d'art à travers le monde.

La raison pour laquelle principalement les Gas qui habitent dans la Région Greater Accra utilisent ces cercueils élaborées pour leurs funérailles est expliquée par leurs croyances religieuses concernant l'au-delà. Ils croient que la mort n'est pas la fin et que la vie continue dans l'autre monde de la même manière qu'il a fait sur terre. Les ancêtres sont également pensés pour être beaucoup plus puissants que les vivants et capables d'influencer leurs proches qui sont encore vivants. C'est pourquoi les familles font tout leur possible pour s'assurer que la personne morte est sympathique à leur égard le plus tôt possible. Le statut social du défunt dépend principalement de l'importance, le succès et l'utilisation d'un cercueil exclusif pendant un enterrement.

Cercueils personnalisés sont seulement vu le jour de l'enterrement quand ils sont enterrés avec le défunt. Ils symbolisent souvent les professions des gens morts. Certaines formes représentent aussi insigne royale ou sacerdotale et peuvent avoir une fonction magique et religieuse. Seules les personnes ayant le statut approprié sont autorisés à être enterrés dans ces types de cercueils. Différents animaux, comme les lions, les coqs ou les crabes peuvent représenter des totems du clan. De même, seuls les chefs des familles concernées sont autorisés à être enterrés dans des cercueils de ce type. Beaucoup de formes évoquent également des proverbes, qui sont interprétées des Ga de différentes manières. C'est pourquoi ces cercueils sont appelés alos cercueils proverbiale (abebuu adekai)

Cercueils personnalisés appartiennent à une tradition relativement nouvelle. Il semble qu’ils ont été utilisés dans la région du Grand Accra seulement depuis les années 1950 en particulier dans les groupes ruraux avec les croyances traditionnelles. Mais aujourd’hui ils sont devenus une partie intégrante de la culture funéraire local. Il était généralement admis que Kane Kwei a été l'inventeur de ces cercueils figuratifs parce que des journalistes avaient découvertent ces cercueil dans son atelier. Quelques chercheurs dont les ethnologues Roberta Bonetti et spécialment Regula Tschumi ne croient pas à ce myth d'origine et elles attribuent l'origine à d’autres charpentiers.

L'idée de fabriquer et d'utiliser ces cercueils sur mesure avait été inspiré par les palanquins figuratives dans lesquelles les chefs Ga dans le début du xx^e siècle étaient transportés. Ataa Oko qui est né 1919 à La près d’Accra serait l'un de ceux-ci, qui aurait commencé autour de 1945 à fabriquer des cercueils personnalisés.

Quelques années plus tard la fabrication et l'utilisation des cercueils sur mesure répartis dans toute la région du Grand Accra. Outre Kane Kwei de Teshie et Ataa Oko de La, qui auraient fondé dans les années 1950 cette nouvelle forme d'ar, il y avait d'autres artists. Mais comme Ataa Oko et d’autres artistes n’étaient pas en contact avec les étrangers, ils restaient inconnus dans les milieux de l'art occidental. Le travail d’Ataa Oko était montré au 2006 pour la première fois dans le musée d'art de Berne. Sans être influencées par les clients de l'Ouest, Ataa Oko peut être considéré comme ayant développé un langage artistique plus personnel.

·        Kudjoe Affutu

·        Eric Adjetey Anang

·        Paa Joe

·        Daniel Mensah

Jan Fabre

 né le 14 décembre 1958 à Anvers en Belgique où il vit et travaille, est à la fois un dessinateur, un sculpteur, un chorégraphe et un metteur en scène de théâtre

Après avoir étudié à l’École des Arts décoratifs et à l’Académie royale des Beaux-Arts d’Anvers, Jan Fabre s’intéresse dès 1976 à l’art de la performance. Certainement influencé et fasciné par les travaux par son presque parfait homonyme Jean-Henri Fabre, l'entomologiste français (dont il prétend descendre), il développe une observation et une analyse du monde des insectes et plus particulièrement des scarabées qui sont pour lui une source d’inspiration sans cesse renouvelée. Son choix s’est porté sur l’insecte roi de l’Égypte antique. Obsédé par la notion de métamorphose et les effets du passage du temps sur l’être vivant, il crée avec les carapaces des coléoptères des sculptures anthropomorphes : mystérieuses silhouettes d’anges évidées, chevaliers en armure à tête de lièvre, frocs de moines..., presque toujours des icônes médiévales. La lumière joue sur les nuances irisées des ailes éveillant des tonalités bleu vert venues des profondeurs sylvestres.

Jan Fabre a exposé ses œuvres, ainsi que ses créations théâtrales, à la Biennale de Venise, à la Dokumenta de Cassel, au Metropolis de Berlin, puis à Budapest et São Paulo. Des expositions personnelles ont eu lieu au Stedelijk Museum d’Amsterdam, au Museum of Contemporary Art de Gand, au Musée Pecci de Prato, au Kunstverein de Hanovre, puis à Helsinki, Lisbonne, Varsovie, Bâle, Francfort et Munich. Durant l’été 2003, Jan Fabre a exposé son travail à la Fondation Miró de Barcelone et à la Galerie d’Art moderne et d’Art contemporain de Bergame.

Une des œuvres les plus célèbres de Jan Fabre est le revêtement du plafond de la salle des Glaces du palais royal de Bruxelles, inauguré en octobre 2002 par les souverains, qu'il a recouvert de 1,4 million de carapaces de scarabées. La reine Paola avait créé un comité artistique chargé d'intégrer l'art contemporain belge dans le palais royal, construit au xix^e siècle. Elle avait été séduite par le travail de Jan Fabre qu'elle avait rencontré à plusieurs reprises. Il lui proposa le revêtement du plafond par 1,4 million de carapaces de scarabées. Réverbérant la lumière, ces petites coques de 27 mm donnent des tons changeants, passant de toutes les teintes de vert à certaines formes de bleu. La confrontation avec les miroirs et les ors des murs donne un effet magistral montrant à quel point l'art contemporain et la tradition peuvent se compléter. En vrai mécène, la reine Paola monta un après-midi au sommet de l'échafaudage et colla elle-même les carapaces formant la lettre P au centre du plafond.

En 2008, Jan Fabre est l'invité du Musée du Louvre à Paris dans le cadre de l'exposition Jan Fabre, l'Ange de la métamorphose. Elle est inaugurée par la reine Paola et la ministre française de la Culture Christine Albanel. Dans les salles consacrées aux peintures des écoles du Nord, le visiteur est invité à redécouvrir les chefs d’œuvre de Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Jérôme Bosch, Quentin Metsys, Rembrandt, ou Rubens à travers le regard de cet artiste majeur de la scène contemporaine. L'artiste cherche à relier son univers avec de grandes thématiques présentes dans les collections : la mort et la résurrection, les vanités, le sacrifice, l'argent, la folie, le carnaval, la bataille, l'atelier. Une trentaine d'œuvres, dessins, sculptures, installations, vidéos et films de performance viennent ainsi rythmer le parcours imaginé par l’artiste qui a réorganisé la galerie des peintres des écoles du nord. Jan Fabre est également l'invité de l'Auditorium du Louvre pour une performance (Art Kept Me Out of Jail (and Out of Museums)).

Site officiel de Jan Fabre 

Auteur : Nils-Udo

Date : 1978

Technique : photographie d’une installation.

Lieu : Lunebourg, Allemagne.

Biographie.

Né en 1937 en Bavière. De 7 à 13 ans il habite avec ses parents, son frère et sa sœur dans un château fort, où il passe son temps dehors, dans les bois et les champs et surtout au bord de la rivière où il apprend à nager. Il est ainsi marqué par le milieu aquatique et l’eau deviendra ainsi un champ d’action important pour son œuvre. Après des études de graphisme, il devient peintre. Mais ce médium ne lui permet pas d’être dans le « réel », au plus près de la vie, de la terre, au cœur de la sève, de l’eau, des éléments.

En 1972 il trouve logiquement le seul moyen possible : travailler directement dans et avec la nature. Il réalise des installations* in situ* pleines de poésie et de grâce. Le côté éphémère de ces œuvres est une parabole de la vie, de sa fragilité. Pour les immortaliser, il les photographie. Il estime que travailler avec la vivacité et l’énergie de la nature est une autre façon de faire de la peinture : « je peins avec les nuages, dessine avec les fleurs ».

Contexte (historique, social, artistique….)

-          1967, Richard Long (1945-) réalise sa première œuvre fondée sur la marche, intitulé « A line made by walking ».

-          1970, Robert Smithson (1938-1973) transforme un site industriel désaffecté en œuvre d’art avec « spiral jetty ».

-          1972, première conférence internationale sur l’environnement à Stockholm.

-          mars 1978, marée noire en Bretagne avec le naufrage de l'Amoco Cadiz.

Jeff Zimmer

http://www.jeffxzimmer.com/index.html 

Se laisser séduire par le mystère des boites et des tableaux de verre de Jeff Zimmer.

  Le Skywalk, une passerelle de verre au-dessus du Grand Canyon

 Les indiens Hualapai, de Peach Springs en Arizona, on fait construire au bord du Grand Canyon une passerelle en verre de 43 mètres de long dont 22 surplombent 1220 mètres de vide, fournissant aux amateurs insensibles au vertige une vue imprenable sur le fleuve Colorado.

Si les Indiens percevront bien 25 $ par visite, leur but n'est pas que mercantile. Les Hualapai expliquent qu'ayant vécu 1400 ans en harmonie avec le fleuve Colorado et les falaises abruptes du canyon, leur devoir est de faire partager cet endroit à la fois très spirituel et puissant par tout le monde.

Cette passerelle, nommée le Skywalk (Pont dans le Ciel), est construite en forme de fer à cheval et est accrochée à Eagle Point, un endroit chargé d'Histoire. Selon la légende indienne, c'est là qu'un garçon s'est transformé en aigle et a pris son envol.

La conception, particulièrement audacieuse, est un chef-d'œuvre de technologie et d'architecture. En complet porte-à-faux, elle est conçue pour recevoir 120 personnes à la fois et résister à des vents de 160 km/heure, mais aussi à un séisme de magnitude 8. L'inauguration au public est prévue pour le 28 mars 2007.

En attendant, le Skywalk a déjà été inauguré, et cela par un personnage qui rend parfaitement honneur à son appellation, puisqu'il s'agit de l'astronaute américain Buzz Aldrin, membre de l'équipage historique d'Apollo 11 et deuxième homme à avoir marché sur la Lune.

"Je me suis vraiment très bien senti", a déclaré l'astronaute aujourd'hui âgé de 77 ans, après avoir arpenté le pont transparent en compagnie des membres de la tribu Hualapai. "Ce n'était pas vraiment comme flotter dans l'air ou marcher dans l'espace, mais ça a été formidable".

Cette masse de quelque 500 tonnes est construite en verre feuilleté renforcé et est soutenue par des attaches en acier enfoncées à plus de 14 mètres dans le roc. Des amortisseurs géants suppriment les vibrations provoquées par les déplacements des visiteurs, annoncent les architectes.

Toutefois, certains membres de la tribu n'approuvent pas cette réalisation, qui selon eux "désacralise" la terre de leurs ancêtres. "Je pense sincèrement que la majorité des Hualapai y sont opposés", déclare Don Havatone, un guide touristique. "Il s'agit d'une terre sacrée pour nous et nous la dérangeons. Mais d'un autre côté, je pense que les gens finiront par l'accepter s'ils voient que nos enfants peuvent bénéficier du tourisme, car notre peuple souffre de la pauvreté et du chômage depuis des années. Je ne crois pas qu'on puisse nous critiquer pour vouloir que cela change", ajoute-t-il.

Les écologistes se sont également élevés contre cette construction qui, selon eux, dénature l'un des plus beaux paysages naturels au monde, comme Kieran Suckling, un des membres du Centre pour la Biodiversité. "La Tour Eiffel est une merveille architecturale", déclare-t-il devant les caméras de la CNN, "mais est-ce que je veux une Tour Eiffel au bord du Grand Canyon ? Non".  

le lien du site officiel
http://www.grandcanyonskywalk.com/landing-page-french/
 

http://www.pino-artist.com

Pino Daeni (1939-25 Mai 2010) né Giuseppe Dangelico, est un peintre Italien.

 Entouré de femmes pendant toute son enfance il a commencé son art à Bari à l'école "Art Institute" et Milan à l'académie de "Brera" pour ensuite immigré aux USA. Ses peintures ont un style romantique, riche, chaleureux . Il capture les mouvements, les expressions de ses personnages. Son œuvre respire la vérité , l’amour et la passion de la vie. Ses toiles représentent souvent des boudoirs féminins, ou des moments maternels. C’est sa technique réaliste et impressionniste qui sublime ses tableaux . Les couleurs pastels sont chaudes, tendres et sensuelles. Il développe son talent en dessinant des nues et se perfectionne en étudiant les peintres tachistes du mouvement “Macchiaioli” ainsi que le style “préraphaélites”. Artiste reconnu en Italie, il émigre aux États-Unis pour chercher plus de liberté artistique. Il fut découvert par l’éminente galerie “Borghi” qui lui permettra d’exposer à New-York et Boston.

  Il a aussi illustré plus de 3000 livres ,notamment la collection Harlequin.

SITE OFFICIEL:http://www.pino-artist.com

Le musée Grévin est un musée de cire privé (propriété de Grévin & Cie, inauguré le 5 juin 1882, une filiale de la Compagnie des Alpes depuis sa privatisation) situé dans le IX^e arrondissement de Paris, en France, et dans lequel sont regroupées des reproductions en cire de personnages célèbres. Font aussi partie de la visite du musée le Théâtre Grévin (salle de spectacle) et le Palais des Mirages (attraction utilisant le principe de l'illusion d'optique). La salle de la Coupole et la salle des Colonnes possèdent de très beaux décors de style baroque datant de 1882.

Il ne compte pas moins de 450 personnages de cire allant de Albert Einstein au Mahatma Gandhi en passant par Michael Jackson ou Alfred Hitchcock. De nombreuses scènes de l'Histoire de France y sont reconstituées, comme la captivité de Louis XVI au Temple ou Jeanne d'Arc sur le bûcher. On y retrouve également les grands événements du xx^e siècle avec le premier pas de l'Homme sur la Lune ou la chute du Mur de Berlin.

Régulièrement, de nouvelles personnalités font leur entrée au musée Grévin : la statue de Nicolas Sarkozy y est exposée depuis le 13 juillet 2006 et le basketteur français Tony Parker est entré au musée le 8 octobre 2006.

La naissance du musée Grévin

En 1881, Arthur Meyer, alors directeur du quotidien Le Gaulois, avait envie que ses lecteurs puissent « mettre un visage » sur les personnalités dont il était question dans son journal. À cette époque, la photographie n'était pas encore devenue la norme dans la presse.
Meyer décide alors de renouer avec un principe vieux de plus d'un siècle et se tourne vers le sculpteur, caricaturiste et créateur de costume de théâtre Alfred Grévin - qui avait réalisé des caricatures pour son journal - pour lui demander de créer les sculptures des personnalités qui font l'actualité.

Le 5 juin 1882, le musée Grévin ouvre ses portes et c'est un succès immédiat. En 1883, c'est au tour de Gabriel Thomas de s'intéresser au projet. C'était un grand financier à l'origine de la Société d’Exploitation de la tour Eiffel et du Théâtre des Champs-Élysées. C'est lui qui a mis en place les structures financières qui ont permis au musée de se développer jusqu'à nos jours. Gabriel Thomas a également beaucoup contribué à développer le cadre et les décors du musée. En mars 1886 Emile Voisin, marchand et constructeur d'appareils de magie est chargé de préparer les premières séances de prestidigitation dans le futur Cabinet Fantastique. Le 29 décembre 1886 le magicien Carmelli est chargé de diriger le Cabinet Fantastique. Le 27 avril 1887 le magicien Dicksonn est accepté pour seconder Emile Voisin dans l'élaboration des programmes de prestidigitation. En 1889 la direction traite directement avec Carmelli et en 1892 le cabinet fantastique cède la place aux Pantomimes lumineuses d'Emile Reynaud. Le Cabinet Fantastique rouvriras quelques années plus tard jusqu'à ce que le groupe Astérix le ferme définitivement le 31 décembre 2000. Vers 1976 un magicien et musicien espagnol inconnu y fit ses débuts remarqués. Il s'appelait Garcimore. Ce musée a également été le lieu de la première projection en public d'un dessin animé, Pauvre Pierrot, le 28 octobre 1892, grâce au théâtre optique d'Émile Reynaud.

Le musée Grévin est inscrit à l’inventaire des Monuments historiques,  pour le décor intérieur de sa salle de théâtre : le rideau de scène est une toile originale de l'affichiste Jules Chéret ; le haut-relief « Les Nuées » destiné au-dessus de scène est l'œuvre du sculpteur Antoine Bourdelle.

 Helene Schmitz, The highway View, 2013Tirage jet d’encre — 108 × 134 cm ed. 3 / 68 × 85 cm — ed. 3Courtesy of the artist & Galerie Maria Lund, Paris

Helene Schmitz
Kudzu Project

La nature ne fait pas de sentiments. Elle évolue selon son propre ordre du jour : avancer ou reculer, dominer ou être dominée, survivre ou périr… Malgré cette réalité, l’humanité lui a toujours attribué des « qualités », comme la bonté ou la cruauté. Et l’art s’en fait le reflet. Dans le Kudzu project, l’œil de la photographe suédoise Helene Schmitz observe et enregistre les phénomènes de la nature avec une conscience aigüe de l’éphémère. Retenir par la photographie est sa motivation majeure.

Helene Schmitz, The cotton mill, 2013C-print — 68 × 80 cm ed. 3 / 102 × 120 cm ed.3 / 2 E.A. — édition de 3Helene Schmitz

Le Kudzu

En provenance du Japon, le Kudzu (Pueraria lobata) a été introduit aux Etats-Unis à la fin du 19e siècle, pour ses vertus décoratives de plante couvre-sol ; puis il a été massivement planté à partir des années 1930 pour fixer les sols érodés dans le Sud — en Alabama, en Géorgie et dans le Mississipi.

Très vite, très fort, ces feuilles aux trois larges folioles montées sur de fines tiges se sont répandues : dans un environnement propice, le Kudzu peut croître jusqu’à 30 cm par jour ! Ainsi, en l’espace de vingt ans, cette plante importée parce que jolie et utile s’est transformée en plante nuisible, pour devenir « la vigne qui a dévoré le Sud ». Le Kudzuavance, recouvre, entoure de ses vrilles, voir étouffe tout ce qu’il rencontre d’inanimé — arbres, buissons, fleurs, routes, maisons —  métamorphosant le paysage en une immense plantation Kudzu, effroyable et fascinante. Quel artiste de landart aurait osé concevoir un projet d’une telle envergure ? Les plantes forment une couverture uniforme créant l’illusion d’un ensemble, d’un grand océan figé dans ses mouvements et fait d’une seule matière : une sculpture abstraite, infinie.

Helene Schmitz, The Forest, 2013C-print — 68 × 123 cm ed. 3 / 81 × 148 cm ed.3 / 2 E.A. — édition de 3Helene Schmitz

Le projet

De façon totalement apocalyptique, la plante vorace prend possession de l’espace de l’homme, le domine au-delà de tout contrôle. C’est ce qui a fasciné Helene Schmitz. Elle avait déjà exploré la lutte entre l’homme et la nature dans son précédent projet Jardins engloutis réalisé dans la jungle de Surinam (Galerie Maria Lund, 2010 et Festival de Chaumont sur Loire, 2011). Pour le Kudzu project, elle s’est rendue plusieurs fois en Géorgie et en Alabama en 2012, où elle a créé une série d’images dans des circonstances assez difficiles : la température estivale dans le royaume du Kudzu atteint 45 degrés tandis que les prises de vue exigent plusieurs heures. Helene Schmitz a fait le choix de revenir à l’argentique pour obtenir des négatifs de grand format (24 × 30 cm) ceci dans le désir de travailler avec la lenteur d’un peintre, dans l’idée que le temps passé à faire exister une matière particulièrement dense est un temps nécessaire, c’est le temps de l’avènement de l’image.

Si l’objet photographié est le Kudzu, l’intérêt d’Helene Schmitz pour ce phénomène n’est pas tant de le documenter que de nous mettre devant la puissance de la nature et ce, dans une forme plastique qui a ses propres raisons. Elle en rend compte dans des tirages jet d’encre sur papier mat — digigraphies — réalisés pour la plupart en noir et blanc, mais dans un noir qui contient de telles nuances qu’il met en avant la dimension impénétrable et abstraite du sujet. On ne voit plus alors que des formes organiques qui se détachent de l’environnement, « des sculptures monumentales » couvertes de Kudzu. Quelques images laissent voir des bâtisses — maisons, industries —  encore identifiables, partiellement enveloppées par la plante. On pressent leur destinée qui les voue à disparaître sous une végétation omnipotente et l’on se demande ce que dissimulent les paysages. De quels corps, de quelles constructions, de quelles histoires s’est emparée la nature ? Par un langage subtil et une savante combinaison de l’analogique et du numérique, Helene Schmitz fait exister des images dont la beauté immédiate happe le spectateur pour mieux le confronter à une nature qui nous échappe.

LIEN EXTERNE

48, rue de Turenne
75003 Paris

T. 01 42 76 00 33 — F. 01 42 76 00 10

www.marialund.com

Chemin Vert

Saint-Paul

Horaires

Du mardi au samedi de midi à 19h
Et sur rendez-vous

Le musée national de la Marine est issu d'une collection offerte au roi Louis XV par Henri Louis Duhamel du Monceau. La collection permanente du musée est exposée dans l'aile Passy du Palais de Chaillot à Paris, mais des annexes se trouvent à Brest, Port-Louis, Rochefort et Toulon.

Le musée traite aujourd'hui de toutes les marines à travers ses collections et ses expositions temporaires.

Le musée national de la marine participe à la stratégie nationale pour la mer et les océans¹ en s'intégrant dans la première priorité de cette stratégie, appelée « investir dans l'avenir » qui suppose d'« éduquer et former aux métiers de la mer » et de « susciter chez les français la passion de la mer ».

 ILES MUSÉES ET MONUMENTS 

PRÉSENTATION

Dans l’île de la Cité, exceptionnelles salles gothiques du premier palais royal parisien et restitution des prisons du tribunal révolutionnaire.

Le monument actuel présente une partie du palais des Capétiens. 
Au XIVe siècle, Charles V quitte le palais, mais maintient le siège de sa justice. Un concierge est nommé avec pouvoir de police. 
A la fin du XVIIIe siècle, les nombreux prévenus du tribunal révolutionnaire, installé au palais, sont incarcérés à la prison de la Conciergerie, dont Marie-Antoinette.

> Monument inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO. 
> Document de visite disponible en français, anglais, italien, espagnol, portugais, néerlanais, polonais, japonais, chinois et russe.
> Diaporamas historique en français, anglais et espagnol.
> Toutes les expositions sont accessibles sans supplément avec le pass. 

INFORMATIONS PRATIQUES

2, boulevard du Palais, Paris 1er.

 +33 (0) 1 53 40 60 80.

 Cité, Châtelet.

 Escale    "Notre-Dame" à proximité.

 9h30-18h. Dernière admission 30 mn avant. Fermé le 1.01, le 1.05, le 25.12.

 -18 ans et -26 ans (ressortissants et résidents U.E) gratuits.
Entrée gratuite le premier dimanche de chaque mois du 1.11 au 31.03 inclus. 

Poen de Wijs (peintre)

Poen de Wijs appartient à cette génération de peintres qui, dans les années 1970, a cherché un chemin de retour  au réalisme. Et redécouvert plusieurs anciennes techniques réalistes, en aquarelle, peinture à l'huile et la lithographie et plus tard présenté la tradition en acrylique moderne. A la fin des années 1970, il fait irruption dans le monde Amsterdam galerie et a acquis une réputation internationale avec pochettes de disques de phonographe pour la Flairck groupe musical.

Gustave  Courbet   (1819-1877)